“音樂史”與“音樂欣賞”這兩門課程都是高等師范音樂教育專業的必修課程，對于音樂教師提高自身修養，增強對音樂的鑒賞能力，都有著非常重要得意義。目前在高校的音樂教學中，“音樂史”和“音樂欣賞”這兩門課都是分開授課的。但經過一年多的工作實踐，發現這兩門課程合二為一更為恰當，更有助于達到理想的教育目的和良好的教學效果。

為什么要這樣講呢?因為現在音樂教育專業中的許多學生，除了認識音符幾乎不了解任何的音樂作品。而音樂史在沒有音響的情況下授課，無疑是對那些頭腦一片空白的學生進行了一次抽象認識的考驗。

更何況“音樂史”不同于“歷史”，授課時應該把著眼點放在“音樂”二字上，它的重點不是講“史”，而是讓學生通過歷史的進程；人類文明的發展來區別開不同時期的不同音樂風格。那么靠什么來區別?答案很簡單：靠的是“音樂”；是“音響”；是“聽覺”；是“感知”而非文字。如果說華麗的辭藻可以描繪甚至代替音樂的話，那么音樂可以不必存在了，因為文學這種藝術形成擁有的讀者與欣賞者早就相當的廣泛。

音樂之所以可以在藝術之林中作為一種獨立的門類存在，就是因為它具備了有別于其它藝術門類的自身特點：“音像”。正是因為“音像”它具備了非語義的不具體性，才使得音樂更能表達與傳遞人們那種個性化、多樣化以及極其復雜的內心感受。

“音樂史”這門課程是從音樂發展的歷史進程來講“音樂”。那么“音樂”作為藝術而非科學帶給人的首先應是一種感性認識和聲象理解，而非抽象的學習與區別。就拿我們所熟知的“古典樂派”和“浪漫樂派”來講：“古典樂派”的音樂特點是“和諧”（何為“和諧”）持久、典范，從屬于最完美的秩序（何又為“完美”），而“浪漫樂派”則以“其強烈的個性化、理想化以及富有詩意的的感情重于理智的表現來體現其特征”。

毫無疑問這段文字已經在理性上對“古典樂派”和“浪漫樂派”作了明確的區分。可是這種區分更適合那些有著豐富的音樂音響積累的人，對于我們的學生來講只是紙上談兵，沒有任何的實際意義（因為學生沒有任何的音樂欣賞的積累，缺乏感性認識）。

欣賞音樂，對不同時代、不同樂派的作品進行感性認識，應該是音樂史課程中最基礎而且也是最關鍵的一步。只有“音響”才能真正說明問題，同時也使問題具體化、感性化、聲象化、學生才更容易接受、理解以至于達到喜歡的教學目的。只有在感性認識的基礎上逐漸形成的理性認識，才是明了的、清晰的。否則，空講理論只會讓音樂史變成枯燥無味、咬文嚼字、抽象難懂的高深學科。

而在音樂欣賞授課過程中，又總是不可避免地講到作曲家生活的年代、經歷及其當時特定的歷史環境在他們身上留下的不同印記等問題。正是由于作曲家所處的不同年代、不同經歷，才有了貝多芬“扼住命運咽喉”的第五交響曲《命運》以及肖邦及富愛國色彩的《c小調（革命）練習曲》。他們都用自己不朽的音樂作品書寫著歷史的回音。這正說明了“生活——藝術之源，藝術——生活之鏡”。

任何一部音樂作品都離不開它所在的年代，就象一個人可能沒有兄弟、姐妹、子女，卻不能沒有父母一樣。從這個角度來說，“音樂史”和“音樂欣賞”這兩門課似乎是密不可分，的確如此，但這種密不可分并非齊頭并進的。

因為音樂欣賞需要有一定的音樂史知識的儲備；而音樂史也需要對音樂的產生發展作以清晰地講解與交代。以西方音樂史為例，在《中世紀音樂》這一章就可以適當地加入格列高里圣詠的音響資料，這樣學生對距離現實比較遙遠的音樂也就更加容易理解了。再比如欣賞貝多芬的音樂時，也許大部分同學都知道在貝多芬音樂中都滲透著一種英雄主義，但他們卻不明白為什么貝多芬的作品會這樣。那么通過對貝多芬所處的歷史環境及其生平的了解就不難理解貝多芬的音樂了。

綜上所述，這兩門課程應該是魚和水的關系，本來就是“你中有我，我中有你”的兩門課程。如果分開授課，先講哪一門都存有障礙。從這個角度出發，“音樂史”和“音樂欣賞”很有必要合二為一，這樣可以使本來很抽象的音樂史變得具體、生動、有感染力。同時，也能使“音樂欣賞”的教學更加有條理性，可以伴隨人類歷史的進程，逐步學習各個不同時期人類不同的藝術要求及人文思想。